Trường phái Ấn tượng hình thành ở Paris trong những năm 1860 và 1870. Các họa sĩ rời xưởng vẽ để ra ngoài trời, vẽ nhanh bằng màu rực và nét cọ lộ rõ, và chọn đời sống hiện đại làm đề tài: quán cà phê, đại lộ, bờ sông và vũ trường. Cái tên ban đầu là một lời chê bai, nhưng rồi chính các họa sĩ lại dùng nó.
Vậy Ấn tượng là gì, nói trong một câu? Đó là một nhóm họa sĩ Paris cố ghi lại ánh sáng và màu sắc trông ra sao trong một khoảnh khắc, thay vì vẽ một cảnh xưởng bóng bẩy. Bài viết này trình bày phong trào bắt đầu từ đâu, triển lãm nhóm đầu tiên diễn ra thế nào, vì sao cái tên được giữ lại, tranh Nhật Bản đã định hình phong trào ra sao và điều gì đến sau đó. Bài này cũng thuộc loạt nghệ thuật và văn hóa thế kỷ 19 của chúng tôi.
Ấn tượng là gì? Câu trả lời ngắn gọn
Ấn tượng ít là một phong cách hình thức hơn là một nhóm họa sĩ lỏng lẻo quanh Claude Monet, Pierre-Auguste Renoir, Edgar Degas, Berthe Morisot, Camille Pissarro và Alfred Sisley. Họ có chung thói quen làm việc: vẽ ngoài trời khi có thể, giữ màu sáng và để nét cọ hiện ra. Họ cũng chọn các đề tài hiện đại, thường ngày thay vì những cảnh lịch sử và cổ điển mà giới nghệ thuật chính thống vẫn tán thưởng.
Danh tiếng công chúng của họ đến chủ yếu từ các triển lãm. Từ năm 1874 đến 1886, nhóm tổ chức tám cuộc trưng bày ở Paris, mỗi lần với một tập hợp nghệ sĩ khác nhau.
Khởi nguồn: Salon và những lần từ chối năm 1863
Vào những năm 1860, uy tín của một họa sĩ phần lớn phụ thuộc vào việc ban giám khảo có chấp nhận tác phẩm cho Salon thường niên hay không. Năm 1863, ban giám khảo đã từ chối Le Déjeuner sur l'herbe của Édouard Manet, một cảnh dã ngoại có người phụ nữ khỏa thân ngồi giữa những người đàn ông mặc quần áo. Napoléon III sau đó ra lệnh tổ chức một cuộc trưng bày thứ hai cho các tác phẩm bị loại, Salon des Refusés, khai mạc tại Paris ngày 15 tháng 5 năm 1863. Trong hơn 5.000 bức tranh được gửi đến năm đó, khoảng 2.200 bức bị từ chối.
Manet trưng bày bức tranh dã ngoại ở đó với tên Le Bain, và nó vừa gây cười vừa gây phẫn nộ. Ông chưa bao giờ triển lãm cùng nhóm sau này trở thành các họa sĩ Ấn tượng, nhưng những họa sĩ trẻ hơn thấy ở ánh sáng phẳng và đề tài hiện đại của ông một hình mẫu đáng theo. Vài người trong số họ đã gặp nhau đầu những năm 1860 trong xưởng của thầy dạy gốc Thụy Sĩ Charles Gleyre, nơi Monet, Renoir, Sisley và Frédéric Bazille từng là học trò, và họ bắt đầu cùng vẽ ngoài trời.
Thói quen vẽ ngoài trời có gốc rễ sớm hơn ở các họa sĩ Barbizon, những người làm việc quanh rừng Fontainebleau; xem bài của chúng tôi về Millet và trường phái Barbizon. Chủ nghĩa lãng mạn, phong trào đi trước họ, đề cao cảm xúc và kịch tính, và Chủ nghĩa lãng mạn là gì? giải thích nền tảng đó.
Paris làm đề tài
Thành phố họ vẽ đang thay đổi nhanh chóng. Những đại lộ rộng và công viên mới đang định hình lại các con phố, và bản đồ 1876 dưới đây chia Paris thành hai mươi quận. Vũ trường của Renoir nằm trên đồi Montmartre ở phía bắc, còn triển lãm nhóm đầu tiên được tổ chức trên đại lộ des Capucines ở trung tâm. Bản đồ cho thấy rõ đây là hai khu vực khác nhau của cùng một thành phố.
Chiến tranh, lưu vong và một hội nghệ sĩ mới
Tháng 7 năm 1870, Pháp lâm chiến với Phổ. Đến mùa thu Paris bị bao vây, và vài họa sĩ rời nước Pháp. Monet đến London giữa tháng 9 năm 1870, còn Pissarro đến ở với người thân tại miền nam London vào tháng 12. Ngôi nhà của Pissarro ở Louveciennes, phía tây Paris, từng bị quân Phổ dùng làm chuồng ngựa. Ở London, Monet chỉ vẽ khoảng sáu cảnh công viên và sông Thames, nhưng ông cũng gặp những người lưu vong khác, trong đó có họa sĩ James Tissot.
Tháng 12 năm 1873, các họa sĩ lập một hiệp hội nghệ sĩ hợp tác để có thể trưng bày tác phẩm mà không cần qua ban giám khảo chính thức. Monet, Renoir, Pissarro, Sisley, Cézanne, Morisot và Degas nằm trong số thành viên. Hiệp hội này dẫn thẳng đến triển lãm nhóm đầu tiên năm 1874.
Triển lãm nhóm đầu tiên, 1874
Triển lãm đầu tiên khai mạc ngày 15 tháng 4 năm 1874 trên tầng trên của số 35 đại lộ des Capucines, nguyên là xưởng của nhiếp ảnh gia Nadar, và kéo dài đến ngày 15 tháng 5. Khoảng 30 nghệ sĩ tham gia, với khoảng 165 tác phẩm; một số cách đếm cho con số cao hơn, nên hãy xem đó là con số ước lượng. Phản ứng của báo chí trái chiều, và bài phê bình nổi tiếng nhất thì chế giễu công khai.
The Cradle (1872) của Berthe Morisot, vẽ cảnh em gái bà là Edma nhìn một em bé đang ngủ, nằm trong số các tác phẩm. Giới phê bình đón nhận nó một cách tử tế, nhưng nó không bán được.
Cái tên bắt nguồn từ một trò đùa
Ngày 25 tháng 4 năm 1874, nhà phê bình Louis Leroy đăng một bài châm biếm trên Le Charivari, một tờ báo hài hước của Paris. Ông viết dưới dạng một cuộc trò chuyện châm chọc và dùng tên bức Impression, Sunrise của Monet để chế giễu cả nhóm. Việc gọi các họa sĩ là “impressionists” được hiểu như một lời xúc phạm, ngụ ý họ chỉ ghi lại một ấn tượng thoáng qua thay vì hoàn thành một bức tranh.
Trò đùa đã sống lâu hơn ý định của tác giả. Cái nhãn ấy bám lại, và chỉ vài năm sau chính các họa sĩ cũng dùng nó. Ngày nay nó gọi tên cả một cách vẽ, không chỉ một triển lãm, và ví dụ nổi tiếng nhất của phong cách đó lại mang chính cái tên dùng để chế giễu nó.
Cách họ vẽ: ánh sáng, màu sắc và đời sống hiện đại
Hội họa Ấn tượng dựa trên ba thói quen. Thứ nhất, các họa sĩ thường vẽ ngoài trời và cố bắt lấy ánh sáng trước khi nó thay đổi. Thứ hai, họ tránh dùng màu đen và nâu sẫm cho bóng đổ, thay vào đó dùng màu sắc. Thứ ba, họ coi những đề tài bình thường là đáng được chú ý nghiêm túc: một chiếc thuyền trên mặt nước, một đám đông trong vũ trường, một con phố dưới nước lũ.
Nét cọ mang một phần thông điệp. Người Ấn tượng để lại các vệt cọ hiện rõ thay vì hòa chúng thành một bề mặt nhẵn. Đứng gần, tấm toan có thể trông thô ráp, nhưng từ xa các vệt cọ tụ lại thành ánh lấp lánh của nước, lá cây hay bầu trời. Bal du moulin de la Galette (1876) của Renoir, được trưng bày tại triển lãm năm 1877 của nhóm, làm điều này với các vũ công, bạn bè và ánh nắng lốm đốm. Nhiếp ảnh, đang lan rộng cùng thời điểm đó, thường được liên hệ với các góc nhìn bị cắt và lệch tâm trong những bức tranh như vậy, nhưng các họa sĩ làm việc bằng màu sắc và nét cọ, chứ không phải bằng những tông xám của máy ảnh.
Edgar Degas vẽ các học trò múa ba lê và thầy của họ trong một phòng tập ở Nhà hát Opéra Paris cũ, cảnh được ghi niên đại 1874. The Flood at Port-Marly (1876) của Alfred Sisley cho thấy một con phố phía tây Paris bị ngập nước, với một quán rượu đứng giữa lũ dưới bầu trời xám. Những bức tranh này thể hiện đời sống thành phố và sông nước đương thời, chứ không phải các sự kiện lịch sử.
Nhiều họa sĩ vẽ dọc sông Seine phía tây Paris, ở các làng như Argenteuil và Port-Marly, đó là lý do một bản đồ đường bộ vùng này hữu ích để xác định vị trí các cảnh của họ.
Lối vẽ này kéo dài đến tận sau những năm 1870. Boulevard Montmartre, Spring của Camille Pissarro được ghi niên đại 1897, hơn hai mươi năm sau triển lãm đầu tiên. The Child’s Bath của Mary Cassatt được ghi niên đại 1893. Phong cách này không chỉ gắn với một thời điểm duy nhất.
Các họa sĩ Ấn tượng: Morisot và Cassatt
Berthe Morisot tham gia bảy trong tám triển lãm nhóm, khiến bà là một trong những thành viên đều đặn nhất. Tranh của bà thường tập trung vào phụ nữ và trẻ em trong nhà, và The Cradle hiện thuộc Musée d’Orsay ở Paris.
Mary Cassatt là họa sĩ người Mỹ làm việc tại Paris. Degas đưa bà vào nhóm, và bà trưng bày cùng những người Ấn tượng từ năm 1879. The Child’s Bath vẽ một người mẹ bế đứa con phía trên chậu nước, nhìn từ trên cao. Các nhà sử học nghệ thuật thường chỉ ra ảnh hưởng của tranh in Nhật Bản ở không gian phẳng và bố cục bất đối xứng của bức tranh.
Tranh Nhật Bản và Japonisme
Từ giữa thế kỷ 19, đồ vật và tranh in Nhật Bản đến châu Âu, và người Pháp gọi làn sóng yêu thích chúng là Japonisme. Một điểm khởi đầu được nhắc đến nhiều là câu chuyện về nhà khắc tranh Félix Bracquemond, người được cho là đã tìm thấy một bản sao cuốn phác thảo Hokusai Manga vào khoảng năm 1856 tại xưởng in của mình. Câu chuyện được kể lại thường xuyên, nhưng chi tiết của nó đến từ những lần kể lại sau này, nên hãy xem đó là truyền thống hơn là sự kiện có tài liệu.
Điều thu hút con mắt các họa sĩ là vẻ ngoài của tranh khắc gỗ ukiyo-e: những mảng màu phẳng, đường viền chắc, cách cắt cảnh táo bạo, nhân vật bị cắt ở mép khung và góc nhìn từ trên cao. Chúng gợi ra một cách dựng hình khác với truyền thống phương Tây về một sân khấu có trung tâm và chiều sâu.
Có hai ví dụ minh họa. Sudden Shower over Shin-Ōhashi Bridge and Atake (1857) của Hiroshige vẽ một cây cầu và thị trấn dưới cơn mưa rào trong một bố cục phẳng, đậm nét. La Japonaise (1876) của Monet vẽ vợ ông, Camille, trong bộ kimono Nhật Bản. Cả hai cho thấy các họa sĩ Pháp đã tiếp xúc với nghệ thuật Nhật Bản sâu sắc đến mức nào.
Tám triển lãm và một nhóm luôn đổi thay
Từ năm 1874 đến 1886, nhóm tổ chức tám triển lãm. Thành viên thay đổi từ lần này sang lần khác, và các ban tổ chức bất đồng về việc nên mời ai. Theo các tài liệu thông thường, Pissarro tham gia cả tám lần. Cảnh khiêu vũ của Renoir xuất hiện tại triển lãm thứ ba năm 1877, còn Cassatt tham gia từ năm 1879.
Triển lãm thứ tám và cũng là cuối cùng khai mạc vào tháng 5 năm 1886. Georges Seurat và Paul Signac, những người xây dựng hình ảnh từ các chấm màu nhỏ, đã tham gia, và nhóm chia rẽ về việc có nên mời họ hay không. Bức A Sunday Afternoon on the Island of La Grande Jatte của Seurat là một trong những tâm điểm, và nó được treo trong một phòng cũng trưng bày tác phẩm Tân Ấn tượng của Pissarro.
Sau Ấn tượng: Tân Ấn tượng và Hậu Ấn tượng
Phương pháp của Seurat dựng hình từ các chấm màu rời nhau thường được gọi là Tân Ấn tượng. Nó theo đuổi mối quan tâm của trường phái Ấn tượng với ánh sáng bằng một kỹ thuật có hệ thống hơn. Cézanne, Van Gogh, Gauguin và Matisse đi theo những hướng khác.
Thuật ngữ “Hậu Ấn tượng” được nhà phê bình kiêm họa sĩ Roger Fry phổ biến. Triển lãm năm 1910 của ông ở London, Manet and the Post-Impressionists, tại Grafton Galleries, đã giới thiệu Cézanne, Van Gogh, Gauguin và Matisse với khán giả Anh. Ai là người dùng từ này đầu tiên, và khi nào, vẫn còn được tranh luận.
Vì sao nó quan trọng và đề thi hay hỏi gì
Trường phái Ấn tượng quan trọng vì nó coi khoảnh khắc được vẽ là một đề tài chính đáng. Các họa sĩ của nó cho thấy một bức tranh có thể được dựng từ ánh sáng, màu sắc và nét cọ, không chỉ từ nét vẽ cẩn thận và một câu chuyện. Sự chuyển hướng đó mở đường cho hội họa hiện đại về sau.
Các kỳ thi lịch sử và mỹ thuật thường hỏi về ba điều: việc Salon chính thức từ chối và Salon des Refusés năm 1863; việc chọn các đề tài đô thị và giải trí hiện đại; và những thay đổi trong màu sắc và nét cọ. Cũng cần nhớ các mốc năm: 1863 cho các tác phẩm bị từ chối, 1874 cho triển lãm nhóm đầu tiên và 1886 cho triển lãm cuối cùng.
Đọc tiếp
- Millet và trường phái Barbizon: các họa sĩ vẽ ngoài trời đi trước những người Ấn tượng.
- Các bức tranh Ấn tượng nổi tiếng và họa sĩ: một chuyến tham quan rộng hơn các tác phẩm và nghệ sĩ được nhắc đến ở đây.
- Chủ nghĩa lãng mạn là gì?: nghệ thuật đầy cảm xúc và kịch tính của thế hệ đi trước.
